Le pouvoir révolutionnaire
de l’art protestataire
L’expression créative joue un rôle essentiel de mobilisation et de changement
Par Andrew Burlone
15 juillet 2025
L’art est l’une des armes les plus puissantes dont disposent les manifestants dans leur lutte pour le changement. À travers l’histoire, l’art a été inextricablement lié aux mouvements revendiquant la justice. Il capte l’attention du public d’une manière que les discours et les tracts ne peuvent égaler. L’art distille des enjeux complexes en images, chansons, symboles et performances qui peuvent à la fois exprimer la colère et susciter l’espoir. Il est immédiat et viscéral, capable de toucher les gens, peu importe la langue qu’ils parlent.
L’art est inextricablement lié aux mouvements revendiquant la justice, captant l’attention du public d’une manière que les discours et les pamphlets ne peuvent égaler.
L’art donne une voix à celles et ceux qu’on n’entend pas toujours. Bien souvent, les manifestants ont le sentiment que leurs revendications et leurs droits sont ignorés par les institutions et les médias. Grâce aux murales, aux affiches et aux performances de rue, ils peuvent réinvestir des bâtiments abandonnés, des carrefours achalandés ou des espaces numériques, les transformant en plateformes pour des récits marginalisés. Les passants ou les internautes deviennent alors témoins. Tout à coup, des enjeux qui semblaient lointains deviennent impossibles à ignorer.
Still Dancing • Artiste : Jonathan Labillois
C’est aussi vrai au Canada qu’ailleurs. L’art commémorant les femmes et les filles autochtones disparues et assassinées, par exemple, a attiré l’attention nationale sur une tragédie longtemps reléguée aux marges. La série de robes rouges suspendues dans les arbres ou accrochées aux lampadaires dans plusieurs villes canadiennes constitue un rappel silencieux, mais inoubliable, de la violence toujours en cours. C’est un acte de protestation qui invite la population à s’arrêter et à réfléchir, ne serait-ce qu’un instant. Ces installations à la fois rendent hommage aux victimes et exigent des mesures concrètes.
La protestation visuelle n’est pas la seule forme d’art efficace. Les chansons et les chants ont également joué un rôle essentiel dans les mouvements canadiens. Pendant le mouvement Idle No More, des danses circulaires organisées dans des centres commerciaux et sur la Colline du Parlement ont permis à la musique autochtone traditionnelle de prendre place dans l’espace public. L’art performatif a aussi été central dans les récentes mobilisations pour le climat, notamment lors des marches climatiques ou encore lors des flash mobs créatifs dans les stations de transport en commun.
L’une des raisons pour lesquelles l’art est si efficace, c’est qu’il établit des connexions émotionnelles fortes. Les mots précis des revendications peuvent être oubliés, mais une affiche percutante ou une mélodie marquante, eux, restent en mémoire. L’art s’imprime dans les esprits, influençant non seulement la manière dont une manifestation est perçue sur le moment, mais aussi la façon dont elle sera rappelée des années plus tard. Les manifestations étudiantes de Montréal en 2012, par exemple, sont encore associées au tintement des casseroles et aux fameux carrés rouges. Ces images et ces sons ont survécu bien au-delà des lignes de piquetage.
‘L’art marque les esprits, influençant non seulement la façon dont une manifestation est perçue sur le moment, mais aussi la manière dont elle sera rappelée des années plus tard.’
Le mouvement Black Lives Matter a su exploiter la puissance de l’art pour rendre hommage aux victimes de la violence raciale et renforcer les revendications en faveur de la justice. Des murales de grande envergure, des affiches de protestation, des œuvres de rue, des graffitis et des performances marquantes ont fleuri à travers l’Amérique du Nord, transformant les espaces publics en appels vibrants et urgents au changement. L’art au sein du mouvement n’a pas seulement permis de commémorer les vies perdues en raison de la brutalité policière, il a aussi créé de la solidarité, sensibilisé un large public et mobilisé les communautés autour du message central du mouvement : la nécessité de démanteler le racisme systémique.
Black Lives Matter • Photo : Mana
Avec Internet et les téléphones intelligents, l’art créé lors des manifestations se propage plus rapidement et plus largement que jamais. Ce qui commence comme une murale peinte sur un mur peut devenir une image virale sur Instagram, inspirant des actions similaires aux quatre coins du monde. Le partage d’œuvres protestataires en ligne crée des liens et renforce l’unité entre des personnes qui militent pour des causes communes, même si elles sont séparées par des milliers de kilomètres.
La force de l’art militant ne réside pas uniquement dans sa portée, mais aussi dans son accessibilité. Alors que tout le monde ne se sent pas à l’aise de parler dans un porte-voix ou d’écrire dans les médias, presque tout le monde peut participer à la création artistique. Dessiner, chanter, peindre une bannière ou confectionner une pancarte sont autant de moyens concrets de s’engager. Cette forme d’engagement inclusive élargit les mouvements et attire de nouvelles personnes vers l’activisme.
‘Tout le monde n’a peut-être pas la confiance nécessaire pour s’exprimer au micro ou rédiger un article d’opinion, mais presque chacun peut prendre part à l’art de protestation.’
L’art remet aussi en question le récit officiel. Les gouvernements, les entreprises et les institutions contrôlent souvent le discours à travers des communiqués et des sorties médiatiques. L’art militant bouleverse ce contrôle. Il offre une perspective différente, créative, audacieuse, et parfois dérangeante pour ceux qui détiennent le pouvoir. Créer de l’art en contexte de résistance peut comporter des risques : il arrive que des artistes soient censurés, arrêtés ou que leurs œuvres soient retirées. Pourtant, effacer une murale ou confisquer une bannière ne fait généralement pas disparaître le message. Bien souvent, cela attire encore plus l’attention et renforce la détermination du mouvement.
Mona Lisa • Artiste : Bansky
L’art protestataire de Banksy est reconnu pour sa subtilité et son humour incisif. À l’aide de pochoirs minutieusement élaborés et d’images percutantes, il défie l’autorité et incite à la réflexion. Ses œuvres apparaissent souvent du jour au lendemain dans l’espace public, transformant de simples murs en plateformes de déclarations politiques contre la guerre, le consumérisme et l’oppression. Dans une œuvre emblématique comme Love is in the Air, où un manifestant lance non pas un cocktail Molotov, mais un bouquet de fleurs, Banksy souligne avec finesse les paradoxes entre violence et paix. Plutôt que d’imposer un message direct, il préfère employer des métaphores visuelles et des juxtapositions satiriques qui invitent à la réflexion, au dialogue, et parfois, à la controverse.
‘L’art protestataire offre une perspective différente, à la fois audacieuse, créative et bien souvent inconfortable pour les détenteurs du pouvoir.’
Guernica de Pablo Picasso demeure l’une des œuvres pacifistes les plus marquantes et durables du vingtième siècle. Peinte en 1937 en réaction au bombardement de la ville basque de Guernica pendant la guerre civile espagnole, cette gigantesque murale à l’huile utilise une palette austère de noirs, de blancs et de gris pour illustrer la terreur et la souffrance imposées aux civils. La scène est peuplée de figures déchirées par l’angoisse — notamment un cheval hurlant, un taureau furieux et une mère en détresse tenant son enfant sans vie, le tout dans un décor de flammes, de ruines et de désolation presque apocalyptique.
Guernica (1937) • Artiste : Pablo Picasso
Par un mélange de cubisme et de surréalisme, Picasso plonge le spectateur dans la violence et le chaos de la guerre, renonçant à la couleur afin d’accentuer la gravité de la scène et de rendre son message universel. Guernica est rapidement devenue un symbole de protestation contre la guerre et le fascisme, un cri de ralliement pour la paix. Aujourd’hui encore, l’œuvre demeure un témoignage troublant du coût humain profond des conflits et de la capacité de l’art à témoigner et à résister à l’oppression.
Les symboles et les images qui émergent lors d’événements historiques s’inscrivent dans la mémoire culturelle d’un pays, façonnant la manière dont les générations futures comprennent les luttes pour la justice. L’héritage de l’art de protestation remonte à des figures influentes comme Francisco Goya, dont l’œuvre constitue un exemple saisissant de la manière dont l’art visuel peut défier l’autorité et dénoncer la brutalité. Témoins des guerres et bouleversements politiques de l’Espagne des XVIIIe et XIXe siècles, Goya a créé une série de gravures bouleversantes intitulée Les Désastres de la guerre, dans laquelle il dépeint avec une intensité déchirante les horreurs commises pendant la guerre d’Espagne contre Napoléon.
El Tres de Mayo • Artiste : Francisco Goya
Contrairement aux représentations romancées des combats, l’œuvre de Goya révèle sans détour la souffrance des civils et la cruauté exercée tant par les forces d’occupation que par les pouvoirs locaux. Ses images puissantes, souvent graphiques, dépassent le simple geste artistique : elles agissent comme témoignage historique et comme dénonciation vigoureuse de l’injustice. Le courage de Goya à représenter une vérité aussi brute a ouvert la voie à des générations d’artistes engagés, notamment au Canada, où plusieurs reprennent aujourd’hui ces stratégies visuelles pour affronter le colonialisme, la violence et l’oppression systémique.
‘L’art permet aux manifestants d’imaginer le futur qu’ils désirent, et pas seulement de rejeter les systèmes qu’ils dénoncent.’
L’art permet aux manifestants d’imaginer le futur qu’ils souhaitent, et non seulement de dénoncer les systèmes qu’ils rejettent. Dans une lutte pour le changement, il est facile de se concentrer sur ce qui ne va pas. Mais l’art de protestation peut aussi dessiner ce qui pourrait être, en offrant une vision rassembleuse. Cela peut prendre la forme d’une chanson pleine d’espoir, d’une murale éclatante représentant une communauté guérie, ou encore de sculptures incarnant la solidarité. Ces gestes créatifs soutiennent les mouvements dans les moments difficiles et nourrissent l’espoir.
Dans tous les mouvements — des droits autochtones à l’égalité des genres en passant par la justice climatique — l’art a été une force motrice qui transforme les luttes en mémoire collective. Tant que des gens s’organiseront pour exiger un monde meilleur, l’art restera leur arme la plus puissante, rapprochant le changement, une coup de pinceau, une note, ou une bannière à la fois.
Image d’entête : Banksy – Love is in the Air, 2005 • Photo: Dylan Shaw – Unsplash
Autres articles par Andrew Burlone
Autres articles récents
Andrew Burlone, cofondateur de WestmountMag.ca, a commencé sa carrière dans les médias au magazine NOUS. Par la suite, il a lancé Visionnaires, où il a occupé le poste de directeur de création pendant plus de 30 ans. Andrew est passionné de culture et de politique, avec un vif intérêt pour les arts visuels et l’architecture.
